Em primeiro lugar, este é um blog focado preferencialmente em mangá e anime, nessa ordem. Por isso mesmo não havia muito o que falar sobre o Rio Comicon. Ele optou por ser um evento de perfil mais cult, mais voltado ao "quadrinho séééério", e por isso mesmo seu alcance ficou bem mais restrito do que poderia ser. Mas apesar da grade apresentar lá pelas tantas um desfile de cosplay (que não fiz questão de assistir), eu fico feliz de ter estado em um evento de quadrinhos que se propôs a ser, e foi, um evento de quadrinhos de verdade – não uma turba com touca de bichinho na cabeça em meio a uma micareta ao som de um cantor japonês que emplacou uma abertura de algum desenho animado mal lembrado nos dias de hoje, enquanto a pirataria come solta em barraquinhas de camelôs que misteriosamente não recebem uma invasão da polícia federal em plena festa (que na certa seriam recebidos por nossa alegre juventude com um "porque não vão prender bandidos de verdade", enquanto eles estariam carregando em suas bolsas uma cópia pirata de Evangelion 1.1 porque sai mais barato do que na loja).
Mas vou ser sincero, por mais que eu quisesse ver as exposições (e só a do Milo Manara expunha originais, mas ela foi linda e valeu a pena; foi ao tentar bater fotos dela que descobri que a bateria do meu celular estava arriada, ¬¬), o meu maior chamariz foi a palestra do Paul Gravett. Já que não pude ir ao longo da semana, decidi não faltar no último dia de jeito nenhum e me despenquei sem falta para a Estação Leopoldina.

Acabei chegando com um pouco de atraso. Mas valeu: essencialmente, Gravett (autor de um dos melhores livros teóricos a respeito dos mangás que temos a nossa disposição: Mangá – Como o Japão Reinventou os Quadrinhos, publicado no Brasil pela editora Conrad) expôs justamente o potencial narrativo e visual dos mangás, comparando na tela imagens de vários materiais e apontando recurso visual a recurso visual em cada página exibida. Foi uma explanação bem didática, que pecava pelas limitações do tradutor: frequentemente ele omitia nomes e informações expostas pelo próprio Gravett, inclusive sobre materiais e autores já publicados no Brasil. Gravett, por exemplo, citou o Inspetor Munakata de Yukinobu Hoshino (publicado no Brasil com o seu El-Alamein e Outras Batalhas), descrito pelo teórico como um híbrido entre o Hercule Poirot de Agatha Christie e o Indiana Jones de George Lucas e Steven Spielberg, e o nome do autor foi omitido na tradução simultânea. Informações preciosas que fazem falta, inclusive como referência posterior a ser procurada por futuros desenhistas na plateia. Imagens do Hiroshima, a Cidade da Calmaria, de Fumiyo Kouno, também apareceram e faltou background na hora de traduzir – elementos jogados por Gravett acabaram sendo deixados de lado. Uma perda e algo a seriamente se levantar.

Foi bom olhar as várias exposições apresentadas no local enquanto digeria profundamente as palavras de Gravett e o que as imagens por ele exibidas me fizeram pensar.
Uma pergunta que foi solta na internet recentemente e que para mim se tornou bem relevante enquanto eu assistia a palestra foi: "Porque não surgiu um Alan Moore do Mangá Global?" Bom, a palestra de Gravett expõe a resposta à essa pergunta que nem foi levantada. O que muitos autores japoneses fizeram, para transformar o mangá no potentado que ele se tornou, foi testar os limites da estética, brincando narrativamente com as possibilidades que lhes foram oferecidas. Com isso, eles acabaram indo longe. Em possibilidades de traço, de narrativa, de recursos visuais. E aqui no Brasil? Se Masaya Tsunamoto, o autor de Giant Killing, surgisse com seu traço – e sem opções em nosso mercado restrito – fazendo teste para desenhar, digamos, um desses (escolha seu subproduto que se diz mangá e preencha a lacuna) _____ Teen, seria descartado porque "seu traço não é mangá". E (escolha seu subproduto que se diz mangá e preencha a lacuna) _____Teen não é mangá nem por um decreto. Simplesmente muita gente não tem idéia por aqui do que faz de um mangá aquilo que ele é.
O pior é que há obras no Brasil que não são mangá – mas que tomam como base justamente as premissas de narração cinemática que são a alma e o sangue da estética mangá, mais do que olhos grandes (que devem ser vistos mais como parte dos recursos de imersão e projeção dos leitores nos personagens – um meio, mais do que um fim em si), e por isso mesmo são mais próximas deles do que muita coisa que sai no Brasil. Tirando exceções, muita gente prefere brincar de ser "mangaka japonês" e viver num mundinho de fã hardcore do que usar o potencial da linguagem que tem a disposição. E isso só depõe contra o próprio mangá aos olhos de quem os vê de fora; só o torna mais pobre no fim das contas.
Ver as artes de Allan Alex para o seu O Cabeleira, expostas (não como originais, infelizmente), evidenciam isso bem. Essa obra não é um mangá – foi pensada como um filme que acabou não sendo feito e foi transformado em um álbum de quadrinhos. Apesar de alguma presença daquele maldito ranço behaviorista de sempre se enxergar o banditismo no Brasil por algum tipo de viés social, de homem como fruto de seu meio – lembrem-se que ele foi pensado como cinema e, nesse sentido, o que me incomodou aqui é algo que pode ser encontrado em boa parte de nosso cinema nacional, infelizmente – é uma boa obra, bem escrita e bem narrada, que merece ser lida.

O detalhe é que embora ele não se proponha nem possa ser nem remotamente confundido com um mangá – e eu não vou forçar a barra para sugerir isso – ele, ao partir de uma matriz eminentemente visual para contar sua história, acabou se aproximando mais dos mangás do que muita coisa com olhos grandes feita aqui no Brasil. E essa sensação se dá mais radicalmente naquele que talvez seja o melhor quadrinho publicado em nosso ano aqui no país – considerando inclusive muita coisa estrangeira no balaio – Bando de Dois, de Danilo Beyruth.
A história não tem ranços ideológicos. Essencialmente é uma história inspirada no tom dos faroestes italianos de gente como Sergio Leone, Sergio Corbucci, Tonino Valerii e companhia, narrando a busca por vingança de dois cangaceiros (ou melhor, apenas um, já que o outro tem motivos bem diferentes para participar dessa busca). E é uma aventura de primeira, com ótimas cenas de ação. Sem desmerecer o "Cabeleira", mas representa comparativamente uma evolução na abordagem do tema.

Durante a leitura de "Bando de Dois", eu me vi muitas vezes lembrando dos gekiga sessentistas e setentistas – em especial do Yuki, Vingança na Neve de Kazuo Koike e Kazuo Kamimura, e o Lenda de Kamui (na verdade o Kamui Gaiden publicado no ocidente, não o Lenda de Kamui original de Sampei Shirato). Fiz uma pequena comparação visual do senso narrativo de ambos na imagem acima.
Embora Yuki não tenha envelhecido de forma tão sólida como o clássico Lobo Solitário de Koike e Goseki Kojima, ele funciona como um representante melhor e mais acurado do que era a média dos quadrinhos adultos do final dos anos sessenta e começo dos setenta, em uma das épocas mais explosivas e criativas da história dos quadrinhos japoneses. E faz sentido: o mangá em muito trouxe a linguagem do cinema de seu tempo para os quadrinhos. O western spaghetti foi muito influenciado pela linguagem de cineastas japoneses como Akira Kurosawa e Yasujiro Ozu, influências assumidíssimas por Sergio Leone (Era uma Vez no Oeste), mas não precisamos nos fiar apenas nele para que encontremos esse exemplo – pensem também na linguagem visual de um Enzo Castellari para seu excepcional filme Keoma.

Imaginem isso como um storyboard, quadro a quadro, e vocês vão pegar o que estou dizendo. Pensem em quantas páginas isso poderia render se cada cena fosse transcrita como um quadro de mangá.
O que surge dessa constatação? Que Bando de Dois tomou para si princípios comuns e basilares para o entendimento do que são os mangás, e como resultado há nele a sensação visual de imersão que encontramos nos bons produtos japoneses (e coreanos, porque não? Eles tem tido mais tempo para dominar a linguagem). Tanto que isso dá margem a algumas confusões. Uma menina apareceu no twitter elogiando o "mangá Bando de Dois". Eu acabei repassando o twit porque isso bateu justamente com a percepção que eu tive do material. Beyruth não buscou o mangá, mas chegou mais perto do que muita gente que olha apenas os aspectos mais superficiais da estética, como os olhos grandes – ou pior, a procedência. Tanto que eu quase criei para este blog uma seção "Brazilian Gekiga" neste blog, nos moldes da seção "American Gekiga" do Blog of the North Star, em que se compila materiais que mesmo não sendo mangás, poderiam cair nas graças de seus leitores tradicionais. Acabei mudando de ideia por uma série de razões (notadamente o meu esforço em manter este blog dentro de sua linha editorial, sem muitos desvios), mas a percepção vale: Bando de Dois é mais mangá em espírito narrativo do que muito material que pensa ser mangá.
Talvez esteja se olhando para o lado errado há muito tempo.
Mas voltando ao evento, temos que falar das compras. Há algo a criticar: não houve presença das editoras, salvo da Panini – mas que se limitou a uma banquinha pra captar assinaturas de seus títulos. Você quer uma assinatura da linha DC Comics? Eu não, obrigado, e do jeito que está a DC de hoje, eu só recomendaria aquilo a um inimigo mortal. E para os fins desse blog, há pouco o que se falar: o grande forte do estande da Livraria da Travessa foi justamente a batelada de álbuns franceses – com uma oferta de material grande o suficiente para levar um leitor de quadrinhos a falência em um dia. E das quatro compras que fiz, três são completamente off-topic aqui no Maximum Cosmo. Então fiquemos com a quarta, que também pareceu contribuir com o raciocínio que surgia: o álbum La Montaigne Magique de Jiro Taniguchi.
Originalmente publicado no Japão em 2003 (a edição da Casterman é de 2007) sob o nome de Mahou no Yama, essa é uma das edições mais bonitas que eu já vi qualquer mangá. Primeiro, eu queria esfregá-la na cara de qualquer purista, que acha que qualquer alteração de um mangá representa uma ofensa mortal (o que sempre me lembra das sábias palavras do editor americano Toren Smith, que ao contar para autores japoneses a defesa que certos fãs fazem da originalidade a qualquer custo, recebeu risadas de incredulidade – porque mesmo no Japão, eles são obrigados a tomar parte de diversos tipos de alteração exigidas por editores, inclusive da versão publicada em almanaques para as versões publicadas em encadernados). O próprio Taniguchi participou da feitura da edição, e são muito esclarecedores tanto o prefácio do autor quanto a entrevista de cinco páginas ao final do volume.
Em miúdos, a obra foi deliberadamente espelhada e colorizada, com um cuidadoso trabalho de edição visual. E isso não é demérito, não é sinal de "trabalho porco", como alguns infelizes gostam de perpetrar pela internet. O próprio autor parece expressar satisfação com o trabalho e confessa que gostaria de produzir uma "bande dessinée" nos moldes franco-belgas – o que acabaria efetivamente acontecendo, com a história Mon Année, roteirizada pelo prolífico roteirista Jean-David Morvan. A história remete em muitos aspectos ao Meu Amigo Totoro de Hayao Miyazaki, mas sob uma perspectiva mais adulta e meditativa: conta a história de Kenichi, um garoto de dez anos de idade que passa o verão com os avós no interior, ao lado de sua irmã caçula Sakiko – por conta da internação hospitalar da mãe de ambos. Para ela as coisas são novas, mas Kenichi ainda se lembra do seu finado pai, que morreu quando ele tinha seis anos. Ele se apega a uma salamandra em cativeiro, e decide levá-la de volta a seu habitat natural, ao lado de Sakiko; para isso ele terá que superar todos os seus medos e tristezas, em uma jornada de cunho sobrenatural, com muita influência do espírito panteísta do xintoísmo, que culmina com um acerto de contas com a dor da perda paterna. Um belo trabalho, que ganha muito – tanto com as plácidas e muito bem-escolhidas cores do volume, quanto com o formato álbum; ambas valorizam muito o traço do autor (e acabam colaborando visualmente com o espírito miyazakiano da história). Sim, essa é uma piscadela para as editoras voltadas às livrarias. Taniguchi não é autor de banca, afinal.
Quando eu mostrei isso a um amigo que encontrei ao acaso, ele insistiu: "é narrativa de europeu". Eu não havia chegado em casa e pesquisado sobre o material, ainda, para descobrir que ele havia sido previamente publicado no Japão; e isso me falou muito sobre como os limites sobre o que define cada narrativa ainda são truncados e confusos por aqui, e o quanto temos que aprender quanto a isso.

Antes de sair, eu dei uma olhada na exposição que mostra a história da Argentina contada por seus quadrinhos. Ela estava escondida, montada ao redor do painel que montaram para a exposição de Milo Manara. Eu pessoalmente nunca consegui me empolgar com os quadrinhos argentinos que li e acho o finado Oesterheld um chato de galocha, podem me matar por isso. Mas é admirável como eles sabem dialogar com o seu próprio país e com sua história. Na verdade, a maior parte das grandes escolas de quadrinhos no mundo, o mangá incluso, sabe fazer isso muito bem, e cada um a sua maneira. Nós, não.
Há muito o que aprender, há muito o que ensinar. De todos os lados. E acho que mesmo tendo ido apenas no último dia, há muito o que se digerir do que o Rio Comicon nos ofereceu. Que venham os próximos. E do ponto de vista de quem aprecia o mangá, que eles estejam mais representados ainda nas próximas edições – não apenas com seus teóricos, como Gravett, mas também com seus criadores. Não poderemos esperá-los dos eventos de anime e mangá que temos, afinal de contas.
É bom ir a um evento de quadrinhos de verdade.