No dia 1º de Abril de 1970, foi ao ar – na rede nipônica de televisão Fuji TV – o primeiro capítulo de um divisor de águas da animação japonesa: a adaptação de Ashita no Joe (publicado no semanário juvenil Shonen Magazine, da Kodansha), de Ikki Kajiwara – sob o pseudônimo de Asao Takanori – e com arte de Tetsuya Chiba, e também um divisor de águas nos quadrinhos japoneses. Pode não parecer aos olhos acomodados de nossos tempos, mas os efeitos e influência de ambos foram fundamentais para o que conhecemos hoje em dia como animes e mangás. Por isso mesmo, eu não poderia deixar passar essa data em branco: hoje, a série animada completa exatamente quatro décadas de exibição e já que eu não pude comemorar o aniversário de quarenta anos do quadrinho original em 2008 (este blog ainda não existia, lembram?), estou postando aqui esta matéria, publicada originalmente na revista Neo Tokyo, sobre um dos materiais mais influentes e importantes da história da animação e quadrinhos japoneses. Então, vamos entrar no ringue. Divirtam-se.

Ashita no Joe não foi um mangá, pura e simplesmente. Foi um furacão. Vários grupos operários usavam o seu nome em manifestações, porque ele era associado como uma voz da classe operária, que vivia seu processo de ascensão econômica. Foi eleito pelos estudantes no turbulento ano de 1968 como um símbolo de contestação social. Alguns setores conservadores apontaram a série como um instrumento de perturbação pública – mesmo grupos terroristas de esquerda chegaram a usar o nome do personagem. Foram, aliás, as suas consequências políticas que precipitaram prematuramente o seu fim.
Joe foi o amanhã para o mangá também. Ao lado de Kyoshin no Hoshi, também escrito pelo autor Ikki Kajiwara, foi a série que definiu o shonen (quadrinho para garotos) moderno e em muitos aspectos, o mangá moderno, como o conhecemos hoje.

Lutador de Rua

Talvez a melhor apresentação que a série possa ter seja a sequência inicial do seu desenho animado, que adiciona dramaticidade ao que é apresentado nas primeiras páginas. Primeiro vemos uma mochila carregada nas costas de um homem. Aos poucos, vemos esse homem – sem nome, sem apresentação, caminhando sob a ventania de um dia cinzento. Uma música assobiada que remete as trilhas de Ennio Morricone o embalam quando o vemos, com a cabeça abaixada, usando o boné para proteger o rosto do vento forte. Ele deixa para trás a torre de Tóquio e caminha por um ambiente desolado, até que caminha para a ponte e entra num enorme bairro miserável.
Só essa imagem, dirigida de forma magistral, já representa um choque. Estamos tão acostumados com a imagem de um Japão asséptico, bonito, avançado e organizado, que esquecemos do que ele teve que passar para chegar a esse ponto. O Japão do final dos anos sessenta e início dos anos setenta já estava dando o seu pulo do gato econômico que culminaria com um auge brutal nos anos oitenta, mas temos que lembrar que eles tiveram que se reconstruir do zero após uma guerra devastadora; a recuperação foi lenta e dolorosa, com muita instabilidade econômica no processo, e como sabemos, são as pessoas comuns que costumam pagar o pato quando isso acontece. O cenário inicial é uma grande favela, localizada ao lado de uma fábrica, onde o grosso das pessoas vai trabalhar.

O lugar é controlado por criminosos, fato que veremos com clareza nos primeiros capítulos, e nos damos conta mais e mais, à medida em que o personagem caminha por suas ruas de que sim, aquilo realmente é uma favela; visto do ponto de vista de um brasileiro que assiste, é um comparativo de realidade atordoante.
Joe Yabuki é assediado por um ex-boxeador e ex-técnico decadente, Dampei Tange. Velho, caolho e bêbado, ao ver os reflexos de Joe se dá conta de que ele nasceu para o mundo do boxe – e decide largar a bebida, em nome do seu sonho de fazer de Joe um boxeador. Para Dampei, Joe é algo que ele não tinha mais: um amanhã. Obviamente, Joe não o levou a sério em um primeiro momento.
Mangá é essencialmente folhetim em forma de quadrinhos. Obviamente isso iria se reverter de alguma forma – no caso, após algumas encrencas com os bandidos que tomam conta do pedaço. Joe concorda em ser treinado, desde que tenha teto, refeições e alguns trocados para sair de vez em quando.
O que Danpei não contava é que Joe não era nenhum santo. Malandro, trapaceiro e mentiroso, nosso "herói" decide armar um golpe para arrancar grana de alguns trouxas. Sim, Joe é um digno adepto da Lei de Gérson e decide tomar vantagem da situação, se valendo das crianças locais que o seguem por todos os cantos. Só que o tiro sai pela culatra, e por causa disso ele acaba sendo preso e mandado para um reformatório.
Na prisão, ele acaba sendo atacado pelos demais jovens detentos – para "domesticar o novato". Agora toda essa displicência pode custar sua vida. Aprender boxe pode ser a única chance de sua sobrevivência física e mental.
Isolado de seu pupilo, Dampei só tem uma saída: mandar pequenas lições de boxe para Joe através de cartões postais semanais.
A partir daí, vemos um crescimento não apenas do personagem, mas daqueles que o cercam. A "fase do reformatório" se torna importante e apresenta personagens que se tornariam fundamentais, como o boxer Tohru Rikiishi (ou aprofunda personagens até então vistos de forma superficial, como a benfeitora dos pobres Youko Shiraki).

O Núcleo dos Pobres e o Núcleo dos Ricos

Diferentemente de boa parte das personagens femininas em quadrinhos para garotos, Youko é uma personagem interessante – menos por ela própria (que inclusive é uma das personagens mais difíceis de se gostar da série, mesmo ela não fazendo a rigor nada de errado) e mais pelas questões que sua própria presença levanta: Youko é uma mulher rica, adorada pelos que a cercam como se fosse um anjo, sempre pronta a participar de eventos beneficentes e doar a quem precisa; Joe, com a diplomacia de um tijolo voador, é o primeiro a questionar essa bondade toda e é o primeiro a jogar na cara dela uma pergunta simples: O que ela (e, por tabela, todos os ricos filantropos) chama de caridade não seria uma forma dela (deles) mostrar(em) o quanto são superiores a "aqueles que mais precisam"? Por essas e outras o personagem levou a multidão em geral à loucura. Tanto fãs quanto detratores.
Ashita no Joe estreou em 1º de Janeiro de 1968 nas páginas da revista semanal Shonen Magazine – a revista número um do Japão daqueles tempos, título que hoje pertence à Shonen Jump. 1968, como sabemos, foi um ano explosivo em todo o planeta. Rebeliões estudantis na França, os protestos contra o Vietnã que eram repelidos na base do cassetete na "Terra da Liberdade" (vulgo Estados Unidos), a revolta contra a ditadura no Brasil... e no Japão, não foi diferente.
O grande foco de revolta era consequência direta de um sentimento anti-americano que misturava no mesmo balaio o ressentimento pelos anos de ocupação americana no país e o protesto contra a guerra do Vietnã, que envolvia o Japão indiretamente – o país era usado como base militar e recesso para os soldados americanos, além do governo japonês defender abertamente a presença americana naquela região. Isso acabou por gerar, nas universidades, agitadores tanto de direita nacionalista quanto os esquerdistas que se espalharam como uma praga naqueles tempos; e que não raro, acabavam entrando em conflito físico entre si. Em 1969, o Ministério da Educação requeriu mais de 350 intervenções contra universidades "em estado de agitação."
Obviamente, os mangás acabariam por refletir essa época turbulenta. Aquela era uma geração nova, onde os quadrinhos finalmente alcançaram o direito de se tornar maduros. O mangá passou a ser, definitivamente, parte integrante da vida do japonês. E isso se refletiu nos seus aspectos políticos, igualmente: dois mangás em especial acabaram sendo adotados pelos grupos de esquerda. Um deles era A Lenda de Kamui, de Sampei Shirato.
O outro foi justamente Ashita no Joe.

O Herói da Classe Operária

Joe parece o típico sujeito mais arrogante do que teria condições para ser. Um vagabundo de rua, com uma língua solta, sem respeito nenhum pelos mais velhos. Mas sua escalada da miséria até a vitória – e que não viria sem preço – representou para toda uma geração a luta de um povo pela dignidade, metaforizada entre os quatro cantos de um ringue.
Lembrem que quadrinho japonês é feito para ser popular – da mesma forma que nossas novelas de televisão. E assim como os personagens de novela que erguem-se da pobreza e viram assunto nas rodas de rua, a saga de Joe Yabuki tocou em cordas fundas de uma classe operária que sim, lia mangás e trabalhava duro durante essa época de crescimento econômico. É uma história de ascensão social, se pensarmos em termos de entrelinhas. O amanhã de Joe era o amanhã do povo japonês, também.
E o japonês estava vivendo a sua própria ascensão, apesar de ter passado por instabilidades econômicas (um bom exemplo de como elas marcaram a vida do Japonês nos anos sessenta pode ser visto no mangá para adultos "Mulheres", publicado pela Zarabatana Books). Não deixa de ser curioso que, ao contrário do que diz o discurso onde, sem condições econômicas, o povo não gasta com quadrinhos, foi justamente nas épocas mais negras da história de seus países de origem, que os formatos que popularizariam as grandes estéticas de quadrinhos do mundo encontraram terreno para crescer: Os Estados Unidos, com a grande depressão; a França, durante a 2ª Guerrra (o formato de álbum foi uma forma de contornar o racionamento do papel); O Japão, arrasado após as bombas atômicas. Passados os tempos de dificuldades, os quadrinhos acabariam crescendo com o país.
Em 1968, os Japoneses apresentaram ao mundo sua recuperação. Através de uma olimpíada, o mundo pôde enxergar pela primeira vez o Japão com novos olhos. Um país moderno, sintonizado com o resto do mundo. O japonês se sentia um novo povo, e a sensação geral era a de faxina no armário. Os quadrinhos e séries de tv refletiam essa busca. Se olharmos um seriado como National Kid (1960), reparem: não há elementos visivelmente japoneses – tanto que se um autor que se valia tanto da tradição japonesa como Shigeru Mizuki (Ge Ge Ge no Kitaro) é hoje incensado, é porque ele manteve a vela da tradição cultural acesa em um momento onde ela poderia ter sido posta de lado por completo. Se pensarmos na relação do Brasileiro com o próprio folclore, isso não é descabido como parece.
Isso estava acontecendo nos mangás, também – o que era percebido como velho, não estava rendendo mais como antes. A figura de Osamu Tezuka não era vista com tanta simpatia pelos novos autores e mesmo leitores cansados do feijão-com-arroz tradicional de seu tempo. Eram precisos novos nomes, novas posturas – e foi assim que se chegou a figura de Ikki Kajiwara.

O Mestre dos Quadrinhos de Esportes

Seu nome verdadeiro era Asaki Takamori, e inicialmente ele não trabalhava nos quadrinhos – trabalhava como autor de contos juvenis, de um lado, e paralelamente escrevia artigos esportivos em revistas adolescentes não muito diferentes de uma eventual matéria sobre skate em uma revista jovem.
Essas duas vertentes do seu trabalho pré-quadrinhos o tornavam uma opção interessante num momento de busca por renovação nos quadrinhos. Takamori, apaixonado por artes marciais, definiu todo um subgênero sobre esportes numa estrutura que, nas mãos de outros autores, viria a se tornar um verdadeiro "alto conceito" (ou seja, que poderia ser re-empregada em diversas histórias sem que isso seja considerado necessariamente uma imitação. Resumindo: uma fórmula funcional que poderia ser usada à exaustão sem que o leitor se desse conta).
Em miúdos, se tornar mais forte, como atleta E como pessoa, não importa o custo. Essa foi a idéia por trás de seu primeiro grande clássico de esportes, a saga beisebolística Star of the Giants (Kyoshin no Hoshi; 1966-1971) – mas sejamos honestos, o conceito não é exatamente dele: Takamori, autor de livros juvenis sobre esportes e artigos jornalísticos sobre o mesmo tema, foi convidado pelo editor-chefe da Shonen Magazine para criar...

"(...) uma nova forma de mangá que vá além das histórias infantis de Tezuka, falando diretamente sobre a vida. Kajiwara se esquivou da proposta inicialmente, mas acabaria embarcando no que se tornaria uma leva de histórias intensas e bem-montadas.
Mas o editor da Shonen Magazine tinha mais do que ambições literárias com essa idéia. A antologia precisava aumentar sua circulação providenciando alternativas atraentes aos mangás de Tezuka. Sua estratégia de atrair leitores mais velhos foi bem-sucedida em grande parte por poder contar com os talentos de populares autores anti-Tezuka como Kajiwara. Em 1970, ela se tornou a primeira antologia de mangá a atingir a circulação de Um Milhão e Meio de exemplares.
A Shonen Magazine procurou histórias sobre o sangue, suor e dor das artes marciais e dos esportes, coisas que Tezuka tinha dificuldade em desenvolver." (cf. Natsume Fusanosuke, Manga Retrospective #6, RAIJIN COMICS, Gutsoon!).

Tezuka amargaria algum tempo de ostracismo durante aquela época, mas isso é outra história. Renovação é algo fundamental, e basta dizer que toda mudança radical precisa construir seu discurso em oposição ao que veio antes, tendo valor ou não. Não tendo valor, ótimo – tchau e um abraço. Tendo valor, o que veio antes sobrevive, e no fim das contas, Tezuka sobreviveu – mas aquilo que o sucedeu, também. Essa geração do final dos anos sessenta e começo dos anos setenta, até hoje, talvez represente o movimento conjunto mais criativo e intenso na história dos mangás. E Kajiwara representou um papel precioso nele.

Sinal Fechado

Kajiwara era um jornalista esportivo, e por isso entendia do riscado – e se tornou tão bem-sucedido no ramo que teve que criar pseudônimos para poder escrever simultaneamente em diferentes editoras, com o intuito de evitar problemas de direitos autorais (embora todos hoje saibam que o material foi escrito por Ikki Kajiwara, ele assinou a série com o pseudônimo de Asao Takanori).
Nos anos setenta, ele montou uma produtora de documentários esportivos – alcançando grande sucesso com um filme em especial sobre o Full Contact do mestre Masutatsu Oyama. O casamento profissional entre os dois acabou gerando vários frutos, inclusive o bem-sucedido mangá de esportes Karate Baka Ichidai, baseado na vida de Oyama – cujo dojo acabou enchendo de jovens estudantes e hoje é uma das maiores redes de dojos existentes, com presença inclusive em outros países.
Talvez por isso a violência em Joe seja tão real. Pela primeira vez, em uma revista para garotos, acompanhávamos de forma bruta os murros e golpes e sangue que podem acontecer dentro de um ringue. Para quem se acostumou com os duzentos litros de sangue em cada episódio de Cavaleiros do Zodíaco isso pode parecer absurdo, mas na época era algo novo e, para alguns, ameaçador.

Na verdade, essa "violência" foi parte de um processo de amadurecimento dos mangás que já havia sido desencadeado em materiais voltados a leitores mais velhos, mas estava chegando aos quadrinhos para os leitores mais jovens no seu esforço de competir com os mesmos. Isso tudo levou a polêmicas e discussões que culminaram com a formação da "Unidade Governamental de Política para a Juventude" em 1967, que passaria a cercear os mangás que não passassem em seu crivo, colocando-os em uma lista de livros "prejudiciais". O desenhista de Joe, Tetsuya Chiba, teve seu escritório invadido pelos agentes da Unidade, e a série foi colocada na lista – levando a dor de cabeça para a mesa dos editores. De acordo com Paul Gravett, em seu "Mangá – Como o Japão reinventou os quadrinhos",

"(...) Nessa história de um pugilista japonês disposto a usar seus punhos e lutar contra todos, o ringue parecia concentrar todos os conflitos morais que permaneciam sem solução no Japão desde a guerra. Além da alegação de que a história transformava a violência em uma virtude, as pressões para interromper Ashita no Joe podem também estar relacionadas à adoção do personagem por grupos políticos e terroristas (...). Tanto isso é verdade que, em 1968, ano em que ele apareceu pela primeira vez, sequestradores do Exército Vermelho Japonês sabiam que todos compreenderiam sua motivação quando declararam: "Nós somos os Joes do Amanhã". Logo em seguida, o personagem foi adotado pelo movimento de contestação dos estudantes japoneses, a ponto de alguns terem rotulado a série como "A Bíblia dos Estudantes Extremistas" e a culpado por incitar a violência durante as demonstrações de rua contra a Guerra do Vietnã e o apoio do governo aos EUA" (Cf. Gravett, 58; Ed. Conrad).

Nesse panorama, sob cerco cerrado tanto dos grupos de Pais e Mestres quanto dos setores governamentais, só restou aos editores da Kodansha encerrar a série de uma vez por todas, não importando o sucesso que ela fizesse. Ordens dadas, ordens cumpridas: corria o ano de 1973 quando esse final veio – e a abertura de significados que ele representa, as diferentes leituras possíveis e todo o simbolismo que ele representou para sua geração, acabaram gerando um dos fechos mais lendários de toda a história dos mangás.

Um Descanso, Não um Adeus

Não é preciso se preocupar com o spoiler: qualquer matéria sobre Ashita no Joe que se preze acaba fatalmente entregando a cena final, após uma luta devastadora contra o campeão mundial José Mendoza – que destruiu a carreira de vários pugilistas, inclusive do seu último oponente, Carlos Rivera (digno oponente de Joe; foi a luta contra ele que alçou nosso protagonista ao estrelato no mundo do boxe).
Mendoza vence por pontos, mas não sem pagar seu preço – a luta foi demais para ele, e teve consequências sérias. Joe, entretanto, conseguiu a superação que tanto queria; vencer não era o mais importante. Ele entrega suas luvas para Youko e, sentado no seu banco, se mostra caído com um sorriso nos lábios. E vem o texto final:

"Há os Adultos, que vêem Joe caído em seu canto e assumem que ele está morto e acabado. Mas o público mais jovem acha que sim, Joe colocou tudo o que tinha naquela luta, mas não está acabado. Ele amadureceu com a experiência. E vai prosseguir. Porque ele é Joe do Amanhã."

Ikki Kajiwara, com essas palavras, sintetizou todo o conflito de gerações que permeava aquela época. Dividiu claramente os dois lados do ringue entre "jovens" e "velhos". E deu um nocaute na Unidade Governamental de Política para a Juventude. Eles poderiam estar fechando a série. Que os "velhos" se danassem: Kajiwara a estava tornando imortal no coração de todo um povo.
O impacto foi grande. Para que se tenha um exemplo do peso de Ashita no Joe na população japonesa, o poeta Shuji Terayama convocou um funeral simbólico para um dos personagens que caem durante a saga. Mais de 700 pessoas compareceram, com presença do próprio desenhista Chiba. Mas Joe não recebeu nenhum funeral – afinal, ele vai prosseguir. Ele é Joe do Amanhã. E não iria ser um departamento governamental que o deixaria morto e acabado.

Spaghetti Boxe

Nessa altura do campeonato, já havia a presença comercial da dobradinha mangá-anime. No dia 1º de Abril de 1970, estrearia na Fuji TV o primeiro anime de Ashita no Joe, pelo estúdio Mushi. O time era de primeira: dirigido por Osamu Desaki (com presença de Yoshiyuki Tomino no time de diretores de episódios), a série até impressiona mais a primeira vista do que o mangá. Até hoje.
Desaki estava pesadamente influenciado pela estética do western spaghetti de Sergio Leone (que não por acaso, assumia abertamente ser influenciado pelo cinema japonês de Ozu e Kurosawa). Leone tinha uma visão gráfica e intuitiva do espaço visual da cena, e cada um de seus longas é uma obra de arte em termos de enquadramento, ritmo de cena e uso do silêncio. Muitas cenas são paradas, focadas nas forças das imagens. Algo que se encaixa MUITO na estética do anime. Em sua obra-prima, "Era uma vez no Oeste", chegamos ao requinte de termos apenas 15 páginas de diálogos em um longa de 185 minutos. O grosso do filme em si seria conduzido por sequências de imagens que falam por si só, enquadramentos acertados e um aproveitamento total da dinâmica da tela. Leone não quer que você ouça, ele quer que você VEJA.
Osamu Desaki se mostrou um discípulo aplicado dessa estética em Ashita no Joe. A sequência de abertura é até hoje brilhante. As crianças inicialmente funcionam mais como um conjunto cuja barulheira soa mais como um efeito sonoro ("barulho genérico de crianças brincando") do que como personagens em si. O silêncio é um elemento de tensão e caracterização. A trilha sonora, que evoca os westerns de Leone, com seus temas assobiados, dá uma cara a Joe – antes que vejamos seu rosto, sabemos quem é ele por conta da música.
Desaki é um mestre da animação televisiva que desenvolveu várias técnicas que se tornariam padrões visuais distintivos da animação japonesa. E ao mesmo tempo, sabia quando prescindir dessas mesmas técnicas quando o assunto era emprestar dramaticidade a uma sequência.

Foi ele quem introduziu em animação o Split Screen – a famosa "tela dividida", criada em 1927 por Abel Gance no seu "Napoleão" e presente em alguns filmes, mas um tanto rara posteriormente por exigir um custo de produção alto. Em desenhos animados, os custos não interferiam nessa técnica em si, e ele teve a perspicácia de perceber isso; mas hoje, com as atuais tecnologias, ela é completamente banal, como podemos ver em qualquer episódio de 24 horas. Mas ele foi mais longe. Como animador, ele criou as "Postcard Memories", onde se congela um dos frames e a tela se dissolve numa versão pintada e detalhada da imagem originalmente animada; assim como foi ele o responsável pelo uso inicial dos efeitos de iluminação plenos, fortes e completos, adicionados como efeito dramático. Sem ele, a animação japonesa não seria a mesma coisa.
Seu currículo inclui outros animes que se tornariam clássicos, baseados em mangás que igualmente se tornaram clássicos, como Ace o Nerae!, Rosa de Versalhes e Golgo 13; e seu reconhecimento é tamanho que acabou gerando no Japão uma "Sociedade de apreciação dos trabalhos de Osamu Dezaki", que estuda seu trabalho.
Por conta dessa influência estética, a força das imagens sobrepõem e muito o envelhecimento e embrutecimento de uma animação que afinal de contas, foi feita em 1971, com todas as limitações técnicas da época. Ashita no Joe se tornou um marco do seu tempo, mas não foi exatamente concluído; A série se encerra com a luta final entre Joe e Tohru Rikiishi, no episódio exibido em 29 de Setembro de 1971 – quando o mangá ainda estava em curso.
A série só seria retomada quase dez anos depois, com Ashita no Joe 2 – dessa vez pilotado pelo estúdio TMS Entertainment, concluindo a história, com a presença de Dezaki apenas na produção e sem o mesmo impacto gráfico. No entanto, a Mushi compareceu nos cinemas, naquele mesmo ano, com o Longa-resumo Ashita no Joe, The Movie, recauchutando episódios da primeira versão. Na prática, numa época sem video-cassete ou dvd, o longa acabou cumprindo uma função de divulgação para a nova produção televisiva. O conjunto da obra, reunindo as duas diferentes séries, totalizou 126 episódios adaptando o mangá por completo. Com isso, a lenda de Joe foi renovada para uma nova geração.

Depois do Amanhã

Depois de Joe, Ikki Kajiwara criaria (além de Karate Baka Ichidai) o mangá de luta livre Tiger Mask, e lançou o personagem nos ringues (um lutador com uma máscara de tigre) para vender ainda mais seu mangá. Definitivamente, o autor tinha um olho comercial e tanto – mas ele sempre foi um homem intenso em vida, e sua carreira foi seriamente abalada por um escândalo, quando perdeu a paciência com um editor em 1983 e esmurrou sua cara.
A verdade é que Kajiwara era um homem ambicioso e a medida em que seus planos se tornavam maiores e maiores, as pessoas ao seu redor passaram a ter medo dele, e com razão. Cada vez mais instável psicologicamente e sob o efeito de tragédias pessoais (como o sequestro e morte de sua filha nas mãos de criminosos), esse murro não passou da gota d'água de uma sucessão de eventos que culminaram na prisão do autor e da exploração de sua condição pela imprensa sensacionalista. Com isso, sua carreira entrou em declínio nos cinco anos seguintes, antes de sua morte por uma pancreatite aguda em 1987. E ele deixou, como legado, quadrinhos que – mais do que registros do seu tempo – perduram até hoje como grandes clássicos da história do mangá.

A Língua do Povo

Ashita no Joe é um produto do seu tempo. Mostra uma era de dificuldades no Japão que, espera-se, não voltarão mais; mas as benesses também cobraram seu preço. O Japão estava lutando desesperadamente por um lugar no mundo, tentava resolver seus problemas sociais, havia muita pobreza e instabilidade econômica... Mas os maiores autores do quadrinho japonês emergiram desse caldeirão. Por isso eles conseguiam fazer coisas tão dramáticas e convincentes. Tinham a vida real a lhes ensinar isso na pele.
Hoje em dia tudo vem de mão beijada para os japoneses. O país se estabilizou socialmente com uma economia de alta rotatividade, onde todos tem que gastar muito pra que bens de consumo continuem saindo. Portanto, nunca vão ter vivido as inseguranças que seus pais e avós passaram. E talvez nunca mais possam ou queiram, de modo geral, tratar dessa temática com o devido peso.
O personagem principal eventualmente merece ser esganado, e muito, mas diferente dos Seiyas da vida, isso faz parte de um ponto muito bem colocado: ele também tem que aprender a ser gente. Joe faz algumas coisas realmente questionáveis e não é um sujeito bonzinho. Eventualmente abusa da confiança alheia. Acaba parando na cadeia porque merece. Mas Kajiwara não passa a mão na cabeça de Joe. Ele comete erros, ele paga por eles. Seria MUITO fácil ser demagógico no cenário de periferia do roteiro, com um discurso, "ele é fruto do meio, etc." – um discurso paternalista e que só alimenta serpentes. Mas em Ashita no Joe, nenhum momento se cai nessa armadilha.
Por outro lado, o aspecto folhetinesco do material gruda totalmente na gente e é um dos maiores trunfos que o autor tem nas mãos. Convenhamos, estar acuado na prisão e ser salvo gradualmente pelas "pílulas de conhecimento" semanais escritas em cartões postais, dos quais ele depende... Isso é digno de um folhetim de Alexandre Dumas se pensarmos bem. Ashita no Joe, nesse sentido, é MUITO novelão – podemos até reconhecer superficialmente a dicotomia "ricos e pobres" que aparece em nossas telenovelas até hoje.
E isto é ótimo.
Ashita no Joe tocou um povo porque falava a sua língua, a língua das pessoas comuns que andam pela rua e não as notamos, as que podem ir para a cadeia e não ligamos, as que vivem contando os trocados nos bolsos e que vão trabalhar em algum serviço duro e cansativo. Não são os que compram bonequinhos de vinil em Akihabara. Não são os que emperiquitam em bairros da moda como Harajuku. Não são os seres andróginos que parecem ter saído de um clip de J-Rock. São gente como a gente, que mesmo no Japão, nos parecem tão reais e familiares quanto as pessoas que conhecemos.
É por isso que Ashita no Joe é um clássico. E enquanto houver mangá no mundo, ele será sempre lembrado – não importa que o leitor de mangá médio do Brasil fale mal e sempre fique reclamando de tudo, em nome do mangá que é a moda da vez.
Não importa o amanhã; Joe sempre estará lá.