Quando falamos do encolhimento do mercado de quadrinhos japonês e da decadência da animação japonesa, alardeada por várias fontes internas da indústria nipônica, temos que pensar em Neon Genesis Evangelion, projeto multimidiático do estúdio Gainax, criado e encabeçado por Hideaki Anno. Aquilo foi a verdadeira profecia do fim e apontava justamente para as formiguinhas que já naquela época a corroíam por dentro – e que hoje são verdadeiras saúvas de cabeça vermelha. Parece contraditório, porque Evangelion foi – e ainda é – um grande sucesso, como franquia. Mas ele tem, em concepção, muito a ver com as circunstâncias que levaram ao atual estado da indústria do mangá e anime no Japão.
Eu tenho que levantar esse tema quanto um dos autores que mais chamaram a atenção para o estado do mercado neste ano que passou, Shuho Sato (criador do drama médico Say Hello to Black Jack, cuja continuação vem sendo publicada pela Shogakukan) afirmou em um post recente no seu blog que "uma grande editora" (sem abrir o jogo quanto a nomes) perdeu vários milhões de dólares ano passado – e que de aproximadamente 70 revistas, não apenas de quadrinhos, mas de moda e outros gêneros publicados por essa editora, estão perdendo dinheiro. Jogando sombras sobre tudo, uma grande revista "cujo nome é conhecido por todos" perde cerca de onze a quinze milhões de dólares anualmente. Mais: de todos os títulos dessa editora, os dez mais vendidos são mangá, e ele prevê que três desses dez mangás serão encerrados esse ano, mas sem nenhum mega-sucesso que possa substituí-los; há um medo generalizado de que a indústria como um todo vá perder cerca de 110 milhões de dólares em 2010.

Não é preciso dizer que essas palavras são alarmantes. Ken Akamatsu, autor de Love Hina e Negima, afirmou em recente postagem no seu próprio blog que o mercado vem se concentrando: os títulos famosos vendem bem; os menores, não. E quem se ferra no processo não são autores famosos como ele ou Eichiro Oda (One Piece), mas sim os autores "classe média" – as vendagens caíram 4.9% em relação aos anos anteriores em 2008, e quando os dados de 2009 vierem à tona, provavelmente não terá sido muito diferente. Nas palavras de Akamatsu: "Como fonte para novelas, longa-metragens e animação, assim como produto por si próprios, os volumes para livraria vieram para ficar. Os volumes podem vender bem, e em volumes astronômicos. Mas isso quer dizer que aqueles que não o fazem, caminham para a obscuridade." Akamatsu vai mais longe e acusa justamente o encolhimento do mercado de revistas japoneses: "No Passado, as principais antologias de mangá tinham um efeito multiplicador na qual os títulos menores poderiam ganhar em visibilidade – mas esse efeito parece estar se esvanecendo. De fato, as chances para tomar contato com mangás menos conhecidos está desaparecendo".
Isso meio que anula um dos argumentos a respeito do atual cenário de quadrinhos japoneses, de que o problema repouse nas revistas (cujo sistema parece estar funcionando a medida em que é introduzido em mercados mais novos), não na indústria em si. Na verdade, a indústria não cresce – apenas se concentra a medida em que encolhe. Os títulos que vendem mais realmente estão vendendo mais, mas os que vendem menos... vendem menos ainda. E isso é algo perigoso, profundamente perigoso.
Mas por que esse encolhimento? Bom, a razão básica é a crise econômica que assolou devastadoramente o Japão e da qual o país ainda não saiu. É um problema interno que afeta a indústria, mais do que um problema da indústria – só que em um país aonde ela tem tamanha importância, o problema é grave e não é a toa que o governo japonês faça tanto por sua exportação e popularização no ocidente. As perspectivas para esse ano são de que o país deve perder sua posição de segunda maior economia do mundo para a China – esta sim, em processo contínuo de crescimento – e isso não ajuda a melhorar nem um pouco a auto-estima dos Japoneses. Mas a verdade é que há uma raiz mais funda nessa questão: o país já está vivendo da nostalgia dos tempos áureos – e a primeira geração a jamais ter conhecido a época de bonança da economia japonesa (que acabou na virada dos anos oitenta para os noventa) já chegou ao mercado de consumo de quadrinhos e animação.
Começaram a sentir o verdadeiro problema?

E o que a série de ficção científica e robôs gigantes Neon Genesis Evangelion tem a ver com isso? Se observarmos bem, o sucesso da série deve ser visto mais como o tampo de uma era e o início de outra – uma era muito pouco feliz, diga-se de passagem. Ele representa a ascensão de uma geração otaku, na mesma acepção original do termo americano fanboy: o fã que se torna profissional do meio mas efetivamente não deixa de ser fã em muitos aspectos. A Gainax sempre caiu nessa definição antes de virar mais uma empresa a produzir material dirigido aos fãs hardcore que sempre vão consumir a mesma coisa: Otaku no Video é um misto de docudrama e autocrítica; Nadia é uma elegia feita pela geração otaku a toda uma era de animes clássicos que não têm mais como ser retomados a não ser sob um viés de nostalgia ou desconstrução – pensem bem, depois da retomada do bloco World Masterpiece Theatre da Nihon, surgiu algum material com o mesmo destaque dos materiais do gênero produzidos nos anos setenta por bambas como Isao Takahata e Hayao Miyazaki? E o tão apedrejado final de Evangelion (o capítulo 26 da série original) é uma resposta óbvia de Hideaki Anno a todo o fanatismo despertado por sua série – convertendo tudo o que aconteceu em uma brincadeira metalinguística por retroatividade. O crescimento acabou, a euforia acabou, e o que veio a seguir foi uma falta de perspectivas e incertezas. Os heróis confiantes deram lugar, realmente, aos bananas. E se pensarmos bem, Shinji Ikari, o protagonista quase vegetativo da série, é apenas um sintoma de uma doença maior. O que tem em comum Evangelion, o pornô softcore de Aki Sora e boa parte dos haréns desde Love Hina (como a comédia ultrajante Yomero Choice, por exemplo)?

É que temos protagonistas reativos, que não tomam realmente iniciativas e são meio que conduzidos pelas circunstâncias, ou pela vontade e influência de personagens bem mais fortes ao redor. Mesmo em um material praticamente pornográfico como Aki Sora, o protagonista não é um pegador – ele simplesmente segue, sem grande iniciativa, a vontade das mulheres ao redor (só falta a ele dizer, no automático: "tá bom, se você quer…"). O horroroso Yomero Choice vai pelo mesmo caminho: o personagem é a inércia em forma de gente. Mas se pensarmos bem, essa inércia vem sendo captada em produtos que nada tem a ver com material otaku, como Bakuman, mostram personagens que estavam nesse mesmo contexto de inércia e reatividade até aparecer algo que os sacudisse desse mundo (outro exemplo: o personagem principal de High School of the Dead perdeu a namorada de infância por seu próprio bunda-molismo e teria permanecido bovinamente nessa situação se um bando de zumbis não tivesse invadido sua escola) – como se fosse um sinal de que na verdade a inércia é um estado normativo comum entre boa parte dos jovens japoneses. Q&A, de Mitsuru Adachi, parece captar isso com um certo viés crítico – Adachi rachou a casca do ovo atemporal que o protegia em seus trabalhos pregressos a partir de Cross Game e a quebrou de vez em Q&A, ao mostrar uma cidade que encolhe sob os efeitos de uma crise econômica e um personagem que só faz qualquer coisa quando empurrado por um fantasma – ele sim, ativo, com iniciativa e atitude. Mas morto.
Mais emblemático do que isso impossível.
Um trecho de artigo publicado no website ANMTV a respeito do estado atual da indústria de animação mostra bem a situação: Até o presidente da Telecom Animation, Koji Takeuchi, se pronunciou sobre o estado do mundo da animação japonesa atualmente. "A indústria tornou-se decadente e parece cansada. Muitos dos títulos atualmente produzidos são obscuros e opressivos, as mensagens de esperança e de diversão desapareceram".
Ou temos isso, ou temos a alegria fabricada dos títulos voltados para o público hardcore, com bananas cercados por mulheres que o espancam. E isso me parece menos diversão legítima do que um sintoma de desespero e fuga. No website Japan Pop Cuiabá, saiu recentemente uma divertida matéria sobre o fenômeno da Tsundere que pode ser lida AQUI – e que é bem esclarecedora. O termo Tsundere de acordo com o artigo pegou mesmo a partir de 2002, mas já era presente desde os anos 80 se pensarmos bem. Só que personagens assim eram um elemento cômico, não o fetiche que viriam a se tornar – como atesta o surgimento dos Tsundere Cafés, aonde os clientes são atendidos de forma rude pelas garçonetes, mas quando eles dão sinal de que vão embora, elas se tornam um poço de melado.
Para mim, o conceito de Tsundere é um compensatório do japonês por rejeições ostensivas. É a seguinte fantasia: todas as garotas que dizem não e que te repelem na verdade estão reprimindo seus sentimentos – assim, você se sente bem, porque sabe que a garota que te repele na verdade te adora. Não é que ela queira distância de você. Claro, isso na imaginação do público alvo. Repare que tsundere que se preza aparece em animes e mangás voltados ao público masculino jovem – até aparecem em quadrinhos para leitores mais velhos (seinen), mas quando isso acontece esses seinens ou são revistas otaku, ou tem um pé na baixaria. Ou ambos (até acho que se Love Hina fosse coerente, Keitaro teria pego Mutsumi quando ela jogou aquele verde no natal. NENHUM ser humano do sexo masculino, não-comprometido, resistiria a uma moça curvilínea de trajes exíguos dizendo em público, na frente de seus amigos, que gosta de você – e acreditem, isso nada tem a ver com shipping, tem a ver com atitude de homem mesmo). Mas o ponto – para deixar de me desviar – é esse: Tsundere é isso, é auto-compensação, o que é um sinal assustador dos tempos. Antigamente os bananas queriam deixar de ser bananas para conseguir a mulher de seus sonhos. Hoje a mulher de seus sonhos é alguém que goste de dar ordens em um banana. :D
Antes, os protagonistas padrões de mangá eram pilotos de robôs gigantes de trezentos metros. Hoje são criaturas sem iniciativa que, em histórias dramáticas, agem como o Shinji de Eva; quando estão em comédias, agem como um Keitaro Urashima de Love Hina sem perspectiva. E olha que ambos tem em comum o fato de carregar a cruz de sua própria Tsundere nas costas. Asuka, alguém?

Eu diria que antes, os personagens eram essencialmente positivos nos anos 70 e 80 porque seu público viveu décadas de euforia econômica. Mesmo um personagem trágico como Joe Yabuki (Ashita no Joe) representava a dor do parto dessa postura inconformista, de que não se conseguiria a vitória sem preço. Depois, veio o desânimo e Eva representa isso, a geração que deu de cara com o seu padrão de vida em processo de desmonte. Hoje chegamos ao pior ponto: a geração que nunca conheceu a euforia. E o resultado foram os herbívoros.
Para quem não sabe: os Herbívoros são uma geração que não tem interesse realmente em mulheres mas não quer dizer que eles são homossexuais; eles apenas não querem a obrigação social que representa ter uma namorada ou esposa… ou, traduzindo de forma popular: não querem mulher porque dá muito trabalho (como aquela piada do sujeito preguiçoso que estava morrendo de fome, e lhe ofereceram arroz. "Com casca ou sem casca?", perguntou ele; "Com casca". "Ah, então me enterrem logo naquela cova…").

E isso se reflete também na sua abordagem para a carreira – e ser herbívoro não é apenas uma atitude restrita ao fator sexo: eles também não querem saber de uma carreira de verdade e preferem uma ocupação mais modesta e sem stress, porque deram de cara com uma sociedade com problemas que não foram resolvidos pela dedicação ao trabalho – e decidiram dar de ombros. Sua relação com as mulheres apenas reflete isso: uma mulher não se junta a um homem que não tenha futuro. Eles sabem disso, mas não ligam pra futuro. Uma namorada não é só uma menina com que você passeia, beija e faz sexo; ela traz toda uma carga social embutida. Eles sabem disso e mesmo gostando de mulheres (quero acreditar nisso), eles não querem arcar com essa carga.
Acredito seriamente que o crescimento das Tsundere nos quadrinhos e dos herbívoros na vida real estão ligados de forma completa em sua raiz. E o elo de ligação entre ambos explica porque os animes de hoje são menos interessantes do que os de 20, 30 anos atrás. É o país que refletem hoje. E isso tem relação muito grande não de forma obrigatória com a crise atual, que simplesmente foi a cereja do bolo de algo que vem desde o começo dos anos noventa: a ressaca do ufanismo dos anos 70 e 80. Os japoneses antes eram um povo seguro de si e isso se refletia na sua produção. Patrulha Estelar representou a recuperação da auto-estima nacional durante os anos setenta, recarregando o ego nipônico após a desmilitarização do país nas mãos dos americanos; o sucesso de Eva aponta justamente para a falência desse modelo. E para que eu explique algumas coisas, teremos que fazer um spoiler monstruoso do que foi o polêmico final da série.
O final de Evangelion tem que ser visto a luz de uma cena em especial no capitulo 23 da série original, quando a Dra. Ritsuko mostra o bando de Rei Ayanamis sem alma, meras cascas flutuando no liquido. O que ela diz perderia força se não fosse um detalhe: aquele bando de corpos sem alma SORRI para todo mundo quando elas percebem as pessoas olhando para elas por trás dos vidros. Esses sorrisos não aparecem no mangá – e foi uma perda, porque mina todo o conteúdo e agressividade de mensagem da cena. Ritsuko diz que fez tudo por Gendo, mas não importava o que ela dizia, o que ela fazia, o diacho – porque ela, uma mulher de verdade, não conseguia ser aceita como era, ser respeitada ou amada; não importava o que fizesse, Gendo sempre iria preferir uma boneca sem alma, que sempre sorriria para ele quando ele quisesse (repare que a rei sorria para Gendo e para mais ninguém).
É quando se torna visível justamente aquele eco do que viria a ser o discurso do superflat, da área borrada que surge do real e do virtual. É isso o que Rei Ayanami é.
O autor mandou a trama pro espaço naquele ultimo capítulo bizarro. Mas é como se dissesse: aquilo é só uma fantasia. As "realidades alternativas" são o molde das fantasias dos fãs hardcore – tanto que quando mostrou a vida perfeita que Shinji construiu para si, era composta todos os clichês de comédias românticas otaku, tipo Midori no Hibi e as séries da Pioneer. Rei Ayanami chega à escola atrasada e com uma nova personalidade, com um pão na boca.
E quando vemos, aquilo vira uma página de storyboard.
E quando vemos, vira uma página de roteiro de animação.
E de repente, Shinji está lendo o roteiro e entendendo que aquilo é uma das realidades possíveis que ele pode entrar e viver para si, sem precisar sair mais de lá. Ou seja, o mundo real é duro e ninguém consegue se relacionar entre si. Mas agora, a instrumentalidade – o grande plano de Gendo – permite que todo mundo possa construir sua própria realidade e viver nela. Não lembra nada, não?
Sendo direto: Esqueçam a busca por significados religiosos e similares – é tudo cortina de fumaça e muita gente caiu como um patinho. Na verdade, EVA É UM EXERCÍCIO DE METALINGUAGEM DIRIGIDO A GERAÇÃO OTAKU. E o otaku maior na verdade É O PRÓPRIO GENDO IKARI! Ele é, simbolicamente falando, otaku e o próprio modo de vida otaku, e a tragédia é gerada basicamente pelo fato dele estar em posição de poder sobre às pessoas que vivem a sua sombra, sempre inabalável em sua obsessão – ou melhor seria dizer alienação? Porque em retrospectiva seu objetivo sempre foi criar seu próprio mundo. Reparem também que mesmo que a chupada no final de Space Runaway Ideon de Yoshiyuki Tomino seja mais aparente no longa-metragem, Anno já o havia absorvido em conceito. Em Ideon, todos os lados tem que morrer e ascender a um estágio superior – todos viram luz e acabam se dirigindo a um mundo em formação oceânica, mergulhando na água, como se o infundissem de vida. Anno efetua uma variação de conceito, todo mundo vira liquido, o mesmo liquido, mas ao mesmo tempo que todos viram um, todos podem criar seu próprio mundo perfeito. Ou seja, deixam de ter individualidade, deixam de ser pessoas, mas se enclausuram cada um em seu mundo onde ninguém pode tocar.
E o que Shinji faz? Ele pela primeira vez na série inteira, REAGE. É como se ele se ligasse para onde seu caminho de alienação o leva – é o que ele construiu para si e mais ninguém. Só que essa mensagem não foi ouvida – há gente que considera Rei Ayanami a mulher ideal e vejam que Gendo é um dos personagens que mais foram incorporados via cosplay na época áurea de popularidade de Evangelion.
Hideaki Anno acertou tanto na identificação com seu público que os fãs mais radicais, ao invés de acordarem, atenderam ao chamado de Gendo e decidiram virar papinha. É bom lembrar que o autor foi um otaku (fã hardcore) na juventude, pertencente a primeira dentição do movimento, inspirada pelo impacto de Patrulha Estelar e do primeiro Gundam – e acabou fazendo a migração para a indústria. Talvez por isso a franquia seja tão explorada sob essa desculpa dos "mundos paralelos em que cada um pode viver": Anno simplesmente suicidou Evangelion como obra orgânica e autoral e assumiu ali a natureza comercial do projeto, pronto para ser consumida e reciclada continuamente em diversas versões ao gosto do freguês. E tome Evangelion: Iron Maiden, Evangelion: Shinji Ikari Raising Project, Petit Eva (não perguntem) e versões infinitas dos personagens – assim como também praticamente deu uma bênção assumida (metalinguagem, gafanhoto, metalinguagem) ao que já era feito de qualquer forma – os inúmeros fanzines que podem ser encontrados em eventos como o Comic Market e redes de gibiterias que os comercializam como a Toranoana. Acho engraçado ver os fãs com medo de uma versão americana do projeto nos cinemas, com uma Neo Nova Iorque. Dentro desse conceito, seria apenas mais uma versão alternativa vinda do mundo maravilhoso do líquido aonde todos se tornaram uma pessoa só e todos ao mesmo tempo vivem em seus próprios mundinhos fechados, isolados das pessoas ao redor. Repararam que isso é justamente aquilo que o artista plástico Takashi Murakami definiu com o conceito do Superflat?
A mensagem de Anno com o final original de Evangelion foi, em miúdos, "fiquem com suas bonecas sorridentes sem alma, desgraçados filhos da p***. Ignorem o mundo de verdade, tranquem-se no seu mundinho. Tô nem aí." Não custa lembrar que o nome do episódio 26 é Tomem Conta de Vocês Mesmos.
E eles se trancaram. O articulista japonês e estudioso do fenômeno otaku, Toshio Okada (ele próprio egresso do meio), lançou em 2008 o livro Otaku wa Sude ni Shindeiru. Ele parece olhar com encantamento o começo da cultura dos fãs no fim dos anos setenta, e aponta um perfil de tribo urbana em construção (o termo otaku em si data de 1983, através de um artigo hoje famoso do ensaísta Nakamori Akio na grande imprensa que, com uma boa dose de ironia, os definiu como "doentes por mangá") – que degringola ao atual estágio de consumo de produtos moe e fetiches infinitos, descritos pelo autor como um "meio de se isolar emocionalmente e intelectualmente da sociedade" – e não custa repetir, ele mesmo foi um deles, e pelo visto perdeu a paciência com esse universo.
Só que se pensarmos bem, a mudança da atitude "de grupo" do meio (apontada por Okada) para uma atitude isolacionista tem sua raiz na mesmo evento que gerou uma guinada da indústria para o fã hardcore: o estouro da bolha de crescimento em 1990, gerando o que seria lembrado dali em diante como "A Década Perdida". Podem conferir: a ascensão dos produtos otaku, o moe, as animações exibidas em horários inóspitos e que tinham traço de audiência, mas que valiam a pena por retornar em produtos voltados a esse público específico (como bonecas de PVC, acessórios de roupa e como não poderia deixar de ser, as indefectíveis almofadas com as personagens "em tamanho natural")… tudo isso tem sua raiz na busca da indústria de animação, quadrinhos e licenciamentos por portos seguros quando o cidadão comum perde poder aquisitivo e segurança financeira. Voltar suas baterias a aquela meia dúzia que, não importa o que se faça, vai comprar de qualquer maneira.
É óbvio, não? O crescimento do consumo otaku é a face da Década Perdida no mercado de quadrinhos e animação japoneses. Mais: isso aconteceu da mesmíssima forma que a migração dos quadrinhos americanos para o mercado direto de gibiterias na primeira metade dos anos oitenta marcou o estabelecimento e crescimento de uma cultura nerd nos Estados Unidos. E esse crescimento da cultura otaku na indústria já era visível em 4 de Outubro de 1995, quando o primeiro episódio da série foi veiculado na TV Tokyo. Evangelion sempre foi um anime sobre a relação direta entre a cultura otaku e a Década Perdida que estava em curso, e Shinji Ikari nada mais é do que sua face – ele é um espelho justamente de uma juventude que chegou aos anos noventa sem certeza do futuro, apática, sem iniciativa, com as garantias com as quais seus pais cresceram devidamente estilhaçadas. Gendoh seria a cultura do fã hardcore, ignorando as pessoas ao redor na busca da construção de seu mundo perfeito de fantasia e isolamento – o que efetivamente ele consegue alcançar. Evangelion já previa esse nivelamento entre a cultura do fã e o modo de vida japonês denunciado posteriormente pelos autores da corrente superflat – e é difícil desconsiderar isso quando observamos que todas as obras pregressas do estúdio não lidaram diretamente com histórias e gêneros, mas com o imaginário desses gêneros e a relação que seus espectadores tem com eles. Como eu disse lá em cima, Nadia: The Secret of Blue Water não é apenas uma aventura juvenil, mas o último capítulo em uma tradição de animações de aventura juvenis que não teriam mais lugar dali para a frente – começa infanto-juvenil e termina elegia para um espectador que só pode entender essa leitura caso tenha tido a vivência dessas animações do passado. Gunbuster é outra revisão do passado (encampado via homenagem pelo quadrinho clássico para meninas Ace o Nerae) pelos olhos de uma geração futura que absorveria os cânones dos quadrinhos femininos para consumo masculino e o reformataria via fanservice e codificação fetichista (precisamos fazer uma lista do que veio depois disso?). A Gainax sempre teve uma atitude pós-modernista em seu discurso e o maior erro que se pode cometer ao interpretar Evangelion é ignorar a chave metalinguística que esteve presente em todos os trabalhos do estúdio… e não poderia deixar de estar presente ali. Talvez com mais força do que nunca.
Porque está na cara que o Primeiro Impacto, que causou a extinção dos dinossauros em Evangelion, é o que restou da indefectível presença simbólica das bombas atômicas de Hiroshima e Nagasaki que tanto marcaram com sua sombra em vários animes e mangás até os anos oitenta: explosivo, poderoso...

... mas agora algo imensamente distante em termos de perspectiva, que leva as novas gerações não sentirem mais tanta relação assim com o evento e suas consequências. A verdadeira bomba, presente e visível, é o Segundo Impacto – o fim do crescimento econômico japonês e das garantias sociais que ancoravam os valores tradicionais. Dentro de uma perspectiva imediatista, suas cicatrizes doem mais do que as de qualquer bomba atômica. E sem rumo nem esperança, nem futuro… por que dedicar esforço e trabalho a ponto de não se ter mais uma vida?
Shinji Ikari é antevisão e paradigma de uma geração de homens inofensivos e sem iniciativa (que inclusive em sua bananice pedem para que uma mulher chute sua bunda da cadeira). E analisando friamente, ele não é o único sem rumo ali.

Shinji também é fruto de um cenário aonde a mais recente crise econômica mundial nada mais foi do que um golpe de misericórdia dentro do processo de desmonte de um sentimento de credibilidade social do povo japonês. A mesma crise que em que a maioria disposta a fugir do mundo ao redor cria uma geração de fetiches que se tornam razão de ser – porque esse público não está interessado realmente no conteúdo ou narrativa de uma história, mas em reconhecer nela elementos pontuais que alimentem esse fetiche (como meninas de óculos, orelhas de gato, roupas de empregadinha pseudo-vitoriana, etc). O fato de Evangelion ter sido um fenômeno de massa durante sua exibição a ponto desses episódios finais terem gerado tamanha controvérsia se explica por ser um extraordinário exemplo de zeitgeist – um material que independentemente de suas qualidades ou não como história, representa o espírito de seu tempo como ninguém.
O mais assustador é que quando foi anunciada a nova série de longas de Evangelion, dez anos depois da exibição dos dois longas cinematográficos que se seguiram à série regular (Death and Rebirth e The End of Evangelion), Anno mencionou que dez anos haviam se passado e nada havia conseguido o mesmo impacto cultural de sua série, justificando uma nova produção. Independente desse argumento servir ou não de justificativa… bem, é verdade.
Talvez o problema esteja no atual estado de espírito do Japão e as consequências na indústria sejam mera consequência – as pessoas não são tão manipuláveis quanto certas correntes da comunicação gostam de acreditar que sejam. Há uma reação do receptor que é traduzida e interpretada sob a própria experiência dos mesmos. E há mensagens que tem maior capacidade de se espalhar como fogo em um milharal do que outras.
O Japão não mudou muito desde a exibição da série original, a quantidade de seres apáticos refletindo um espírito igualmente anêmico apenas se multiplicou e o mercado apenas encolheu, entre a busca pela segurança do público reduzido e pela inabilidade das publicações de massa em deter a queda de suas vendas. Quando olhamos as estréias dos animes em 2010, temos um anime sobre calcinhas (Chu-Bra), empregadinhas vitorianas e mordomos (Ladies Versus Butlers), misturas bizarras de cardgame com apelação (Weiß Survive R), a transformação de K-On! em alto-conceito (So Ra No Wo To – leia-se, "K-On em versão militar"), vampirismo com sugestão pedófila (Dance in the Vampire Bund), e aqueles animes que fazem você se perguntar quem é que assiste aquilo no Japão (Omamori Himari, Hidamari Sketch). E claro, não faltarão personagens sem atitude, para o humor ou para o drama – e eventualmente uma fêmea, com muito mais testosterona nas veias do que ele, chutando seu traseiro até que ele se mexa. Talvez esse tenha sido o legado da Gainax para as gerações posteriores – o fã que toma as rédeas do mercado e se dirige autofagicamente a si mesmo, fazendo com que ele se concentre em pontos reduzidos enquanto o mercado de massa perde força aos poucos. E essas gerações viraram LCL, como Anno fez questão de avisar – simultaneamente despojadas de sua própria identidade e imersas em seus próprios mundinhos.
Quem diria que o que deveria ser aviso acabou se tornando o anjo que trouxe a chegada do Terceiro Impacto, afinal de contas?